‘La sociedad de la nieve’, la nueva película de J.A. Bayona
Cuando hablas con un director en una reunión de diez minutos, su discurso es muy aprendido y condicionado. JA Bayona nos habló, para Infobae España, de su necesidad de contar esta historia, La sociedad de la nieve, así como de su relación con los supervivientes y su forma de abordar la historia. Pero en el torbellino de entrevistas, parte de la esencia del discurso de un director se pierde en el camino. Aquí reproducimos esos momentos en los que el autor se aleja de la promoción de la película para hablar desde un lugar mucho más íntimo.
¿Cuál fue el enfoque al contar esta historia?
De manera visceral. Quería capturar cómo se sentía y transferirlo a la cámara de la misma manera. Hubo momentos en los que la realidad no lograba expresar todo lo que contenía la historia. Por lo tanto, muchos de los supervivientes tuvieron reveladoras experiencias cercanas a la muerte que fueron de naturaleza casi mística.
Mencionaste antes a Kubrick, que era un director muy visceral y que sin embargo declaraba que lo importante de una historia era la emoción.
Para mí el acercamiento a esta historia siempre fue muy físico. El frío, el hambre, la soledad. Y a partir de ahí había que llegar a una etapa emocional. Creo que no hay una cosa sin la otra. La técnica está al servicio de la historia, de lo contrario todo sería mentira.
¿Por qué te interesa tanto el sufrimiento en tus películas?
La primera vez que me emocioné con el cine fue viendo una toma de Superman volando. Esa sensación de asombro, de asombro. Cuando comencé a hacer cine siempre tuve en cuenta ese recuerdo, pero lo que más me ha interesado ha sido cómo se pasa de una etapa a otra, cuál es la fractura. Y, en todos los casos, me doy cuenta de que hay un punto de inflexión en el que los personajes tienen que experimentar cómo la vida puede cambiar de un momento a otro, en un segundo.
¿Te refieres al punto de inflexión entre la vida y la muerte, por ejemplo?
Ayer vimos El niño y la garza, de Hayao Miyazaki, en el Festival de San Sebastián. Sabes que en algún momento ese animal se va a volver malvado. ¿Porque? porque es una proyección de la psicología del niño y, al final, trabajarán juntos para derrotar a los monstruos. Es la narrativa clásica de los cuentos de hadas que permanece arraigada cuando eres pequeño. Pero ese monstruo es la solución, y al final se convierte en un elemento luminoso.
Y de eso se trata la película y el resto de tu trabajo.
Creo que esta es la película más luminosa que he hecho, porque conecta con cosas muy atávicas que desafían. Está la idea de aprender a morir, que es un tema muy fuerte. Nadie nos enseña cómo morir. Y de repente te encuentras viendo esa experiencia en la pantalla. Estoy interesado en ese batido. Pero nunca desde la oscuridad.
Es la primera vez que haces una película sin un niño.
Bueno, es verdad, nadie me lo había dicho hasta ahora. Pero veo al protagonista como tal, con esa inocencia, porque tiene que romper con los lazos familiares para crecer, tiene que romper con las creencias que había aprendido, en su caso, reinventar la identidad de Dios.
¿Te consideras una persona religiosa?
De nada. Pero hay algo espiritual en esta película, como si hubiera una experiencia trascendente.
¿Entonces?
Lo pensé como si volviéramos a la Prehistoria, como si los personajes volvieran a esa etapa. Y eso fue muy interesante a nivel psicológico, porque no se trata de ser bueno o no. Aquí no hay héroes. Se trata de entregar, adaptar y reconfigurar todo lo que habías creado.
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Source: pagasa.edu.vn